经典好文!艺术与设计有哪些区别与联系(艺术与设计的区别是什么)

本文主要介绍经典好文！艺术和设计有什么区别和联)，下面跟着东辰网详细了解一下吧。

当我在小学上艺术课时，我从来没有理解过毕加索s的作品，而教材又说不清楚，所以这个问题一直搁置到现在。今日的经典文章深入分析了艺术与设计的区别。同样迷茫的同学们，让让我们揭开这个问题，顺便看一个不一样的毕加索。

艺术追求尽可能多的可能性，设计追求尽可能少的可能性。不同的观众对一件好的艺术品会有不同的理解，对它的解读是多角度的，绝对不是单一的。

例如，奈良美智s作品，高跷狗，观众对作品的解读不可避免地会投射出自己的经历。爱宠物的人会觉得宠物用的东西需要越来越人性化，人类用的东西也要宠物用！商人对这项工作的理解是你可以踩着高跷不能吃碗里的菜，有时候为了利益还得放低姿态！政治家明白，就算你是狗，也要站得高！

好的设计作品最大限度地减少歧义，直接传达作者的主题。

概念自行车，大家都知道设计师在做什么。——制造了一辆外观和功能都非常酷的汽车。

能把艺术理解到极致的人越来越少，能把设计理解到极致的人越来越多。最终，艺术发展很可能有高有低。肯定有一批艺术家的作品是给业内人士看的，需要一定的艺术经验或者艺术史知识才能看懂。事实上，所有的领域都是一样的，就像爱因斯坦的相对论，只有高度老练的业内人士才能深刻理解。

这是马莱维克的名画《《白底上的黑色方块》》，是至上主义的开始部作品，标志着至上主义的诞生。马莱维克用尺子在一张白纸上画了一个正方形，然后用铅笔均匀地涂上。现在，观众可能会说，我不知道。;我不明白这幅画是什么，所以我可以画出来。然而，我们必须知道，马莱维奇s的画绝对不是某一天灵感的涂鸦。制作这样的作品需要多年的视觉效果的研究和实验，而且必须结合当时的社会环境。

1914年至1918年开始次世界大战爆发，这幅作品于1915年在彼得格勒的《0、10画展》展出，引起了极大的轰动。观众在画前叹息我们所爱的一切都失去了。.....在我们面前，除了白底黑字的方块什么都没有！要知道，作者创作这部作品是在1913年，也就是大战爆发的前一年。马莱维克敏锐地意识到即将到来的危机和战争给带来的伤害。所以当时的观众，在看到这部作品的时候，自然会联想到当时的情况，从而去解读它。

(PS:由马莱维克创作这部作品从制作到展出期间，俄国深陷危机，东线忙于一战，国内国内经济崩溃，工厂倒闭，工人，十月革命的风暴正在酝酿。在这样一个动荡的社会形势下，艺术家坚守自己的土地，无所遁形地发出自己的声音。俄罗斯仍然会举办艺术展，很多人会去看。这不仅是对艺术的热爱，更是一种社会责任感)

因为设计本身一定是功能性的，作品的受众不会有学术门槛。所以好的设计作品很受大众欢迎，比如一个改变人的产品21世纪的生活，——ipad。

艺术让人觉得世界是多样的，设计让人觉得世界上美好的艺术主题可以是美好而温暖的，尖锐而痛苦的，也可以是压抑而恶心的。一部让观众觉得不舒服的作品不一定是好作品。

这是行动艺术码头？阿布拉莫维奇玛丽娜阿布拉莫维奇？在早期的行为艺术中，她在房间里张贴，让观众随意选择桌子上的72种物体，与艺术家进行强迫的身体接触。在这72件物品中，有玫瑰、蜂蜜等令人愉悦的东西，也有剪刀、匕首、弩、灌肠器等危险的器具。甚至还有一支手枪，里面有一颗子弹。

整场演出，阿布拉莫维奇？麻醉自己后安静地坐着，让观众掌握所有的权力。演出持续了六个小时。在这个过程中，当观众发现她真的对任何动作都没有抵抗力的时候，就逐渐大胆地行使了自己被赋予的权力。艺术家s的衣服全部被砍成碎片，有人在她身上割了一道伤口，有人突然将一朵玫瑰花刺进她的肚子，还有一名观众甚至拿起装有子弹的手枪放进她的嘴里扣动扳机。

这是艺术家最接近死亡的时刻，直到另一个观众惊恐地把手枪拿走。在待的过程中，艺术家她的眼里渐渐充满了泪水，她的心里充满了恐惧。然而，她的身体却没有反应，她清楚地意识到，他们真的可以对我怎么样！麻醉后，阿布拉莫维奇？她从椅子上站起来，伤痕累累，眼里含着泪水，慢慢走向观众，用眼神无声地指责他们。面对艺术家的愤怒和悲伤的眼睛，观众变得害怕，他们纷纷撤退，然后开始逃跑。

阿布拉莫维奇？在后来的采访中，我说:这段经历让我发现，如果你把所有的决策权都交给公众，那么你离死就不远了。(我学到的是…如果你让观众来决定，他们会杀了你).为了受害者阿布拉莫维奇？这样的表现比身体上的痛苦更痛苦。她只用了六个小时就观察到了人类的弱点和黑暗。这种精神上的痛苦很难用语言来形容。

欢乐罐头然而，痛苦、苦难和障碍不会教给我们任何东西，它们会改变我们，让我们变得更好、更强，让我们意识到活在当下的重要性。若干年后，阿布拉莫维奇？我用这种解释了我自己对痛苦的身体和精神体验的寻求。

如果设计作品让观众抗拒，那也是相当失败的。好的设计作品让人感觉很舒服。

一个在——广泛使用的传统插座的失败设计。

自由的艺术才是好的艺术，合理的设计才是好的设计，打破传统，让人思考的艺术作品才是好的艺术作品，20世纪出现了各种流派。如今，似乎每个学校都有自己的接班人。当后继者逐渐完善这个学派的精神和技法时，就像是铸了一个茧。技术越好，思想体系越成熟，茧越硬，越难破。这个时候，谁要是能破茧而出，那就是高手。

举个最有说服力的例子，毕加索。在毕加索之前，古典现实主义已经达到了顶峰，在这个领域，无论构图、题材、各种矿物颜料的选择，前人都探索到了极致。到了20世纪，摄影和电影出现了，人们不再。;不需要传统的写实绘画来记录他们的生活。这无疑把写实绘画逼上了绝路。毕加索的父亲是一名美术老师，他学习古典写实绘画。14岁就做到了技艺高超，造型精准，写字如神。完成一件作品后，我总是拿着笔站起来，四处寻找，踌躇满志。父亲看到他的作品后，叹了口气，把自己所有的绘画工具都给了14岁的毕加索。从那以后，他就洗手不画画了。

毕加索s12岁就工作了。

毕加索s16岁就开始工作了...

所有画画的朋友都知道，当你熟练掌握一种技术的时候，其实是很难突破的。技术的熟练程度是一种无形的禁锢，艺术家往往不敢打破它，有些可以Idon’我不想打破它。但天才毕加索在古典写实绘画已经山穷水尽的时候，却做出了巨大的改变，从而开了一个学派，影响至今。请看下图。

这是毕加索的作品。;的立体派作品。整个画面是平面的，打破了传统的视角。仔细看画中人物的脸，是由两个侧面组成的正面。传统视角下，一个角度只能看到脸的一侧，但在这幅作品中，同一个人有左脸、右脸和前脸！从来没有人画过这样的画。解释一下，毕加索画画的时候，先向左跑，然后向右跑。

看图上的圆圈。;的身体。如果它被理解为胸部，它不Idon’我好像不在合适的位置。说明全图没有透视点或者有多个透视点。毕加索不是站在一个点上观察物体，而是全方位立体地看待物体！(但是立体主义的起源不是因为他的立体观察，而是因为屏幕上有很多小方块。让我们有空的时候再开一家吧。毕加索打破了传统写实绘画的茧，获得了自由，为后来的艺术家打开了一个全新的世界！

这是一个获得空间能源的环保设计。将卫星发射到太空，在那里它将展开一个1.5英里长的太阳能吸收板，并不断向地球输送清洁能源。日本在这方面已经做了很多研究。卫星可以发射，收集太阳能没有问题，但是发射的能量束不好控制。当太阳能转换成能量束发送到地球时，它与地球上的接收器没有很好地连接，经常发生偏离，从而烧焦接收器附近的一切。研究人员正在努力解决这一潜在的灾难，但到目前为止，他们毫无头绪。我们可以t说这不是一个好的设计，只是可能有些方面不合理。

艺术倾向于与观众互动，设计从来都是单向的交流。艺术作品不能放在高高的象牙塔上，但它应该是公共的和互动的，观众对艺术品的不同解读在思维上是互动的。艺术家在传达个人想法的同时，希望能引起观众的共鸣。;的思考和反馈。请看下图。

这是草间弥生2013年在上海的展览。观众可以从工作人员那里拿到一些圆点贴纸，贴在展厅的任何地方。这本身就是一部作品，观众也参与了创作。大家开心的贴了。这真是一个让人永生难忘的房间，从过程到效果都有一种莫名的欢乐气氛。

对于设计作品，观众或用户不会参与作品的创作过程。设计师想出什么，观众就跟着做什么。

迪拜的达芬奇塔是世界上独一无二的伟大创举。

首先，这栋楼的每一层都可以独立旋转。你没看错，每一层都可以自动旋转！每层最多每分钟旋转20英尺(约)，90分钟旋转一次。这样会让整个建筑不断改变外观，在不同的时间，不同的天气，会呈现出不同的颜色。这是一座综合性建筑，包括酒店、办公室和住宅。每家每户都能有多角度无与伦比的景观。

第二，迪拜的旋转塔被称为世界开始，它是开始座完全由预先定制的组件建造的摩天大楼。这种施工方法被称为费歇尔方法及应用；。方法是在意大利南部Artamura的一个工厂里预组装每个单元，配备所有水电系统以及从地面到天花板、卫生间、厨房、储藏室、灯具、家具的所有装修。然后再运到迪拜组装，沿着中央固定的水泥树干一层一层组装，可以在极短的时间内完成。现在一般的高层建筑都是六周一建，但是这种动态建筑是每周一建，比普通的建造少了五周，可以降低10%的建造成本。

而且这个旋转塔的动力来源也很特别。菲舍尔在每个两层之间的夹层设计有风力发电机，也就是说整栋楼有79个风力发电设施。风力涡轮机具有特殊的形状，由碳纤维制成，从而确保安静。再加上每层楼的屋顶都安装了太阳能收集电池，所以总共80层楼相当于80个屋顶。通过旋转系统，光伏电池可以获得最大量的太阳光辐射。每层楼只要有20%的屋顶暴露在阳光下，就能收集到普通建筑10倍的能量。建造者声称，旋转塔的环保能源不仅可以自给自足，还可以分配给邻近的建筑。换句话说，整个建筑所需的能源是自给自足的。此外，该建筑的居民可以通过电梯将汽车停在公寓里。

如此奇妙的设计。人们只能惊叹，不可能参与设计过程。

艺术多与文化有关，设计多与科技有关。艺术的进一步发展，往往与社会学和心理学相互作用。大部分艺术家都会主动看一些哲学书籍，这样艺术作品才会有方向。例如:

这是超现实主义的旗手萨尔瓦多吗？《记忆的永恒》，萨尔瓦多达利的一幅名画。艺术家图片中出现了标志性的符号、软表和蚂蚁。这两个形象在达利■后期画作。事实上，这是在《大理的梦想。

说到超现实主义，不得不提的一个人是西格蒙德？西格蒙德弗洛伊德是20世纪伟大的心理学家。他提出了潜意识也就是我们常说的。根据弗洛伊德的理论的研究，潜意识在梦中体现得特别充分，梦中出现的一切都是有原因的，而这个原因就是某种潜意识。

超现实主义绘画是在记录梦境，探索梦境的意义。达利经常梦见蚂蚁从他的身体里出来。小时候，达利曾经养过一只小蝙蝠，他对这只小蝙蝠倾注了全部的爱。但是有一天，因为某种原因，他最喜欢的蝙蝠被一大群疯狂的蚂蚁包围了，遍体鳞伤，痛苦地颤抖着，奄奄一息。他跳起来，捡起爬满蚂蚁的蝙蝠，疯狂地挠它的头，把它扔进水里。从此，蚂蚁陪伴着大理。

后来，一些研究人员解释了大理忙碌的蚂蚁通常是紧张、焦虑和衰老的象征，暗示达利■潜意识的恐惧、软弱、焦虑和性焦虑。达利应该不太清楚蚂蚁在梦里的含义，但基于童年的经历，似乎有些负面情绪一直在他心里。

设计似乎离人文学科很远。但优秀的设计如果能得到科学的帮助，效果绝对耀眼。

这是别克s两栖概念车。上半部分是游艇，下半部分是汽车底盘。一个非常现代的形状，不是通常功能强大。但这款只是概念车。

概念车也有两种。开始个是能跑的车，接近量产。其先进技术已进入试验并逐步走向实用，一般5年左右即可成为公司投产的新产品。第二种车只是概念设计模型。虽然有先进的设计，但由于环境、科研水平、成本等原因，只是未来发展的研究思路。这款别克水陆两栖车就属于第二类。由此可见，如果设计缺乏科学技术的支撑，那么概念车将永远只是一个概念与理念。

无论艺术还是设计，一般都是先有概念。先有个想法，再慢慢克服技术障碍。很多时候，设计引领着科技的发展。一个优秀的艺术家或者设计师应该是在大众面前，能够提出一些新的想法和观点。如果你一味的做作品来取悦大众，那你就是走在了大众的后面，这是非常危险的，有可能成为一个匠人。

当我在小学上艺术课时，我从来没有理解过毕加索s的作品，而教材又说不清楚，所以这个问题一直搁置到现在。今日的经典文章深入分析了艺术与设计的区别。同样迷茫的同学们，让让我们揭开这个问题，顺便看一个不一样的毕加索。

艺术追求尽可能多的可能性，设计追求尽可能少的可能性。不同的观众对一件好的艺术品会有不同的理解，对它的解读是多角度的，绝对不是单一的。

例如，奈良美智s作品，高跷狗，观众对作品的解读不可避免地会投射出自己的经历。爱宠物的人会觉得宠物用的东西需要越来越人性化，人类用的东西也要宠物用！商人对这项工作的理解是你可以踩着高跷不能吃碗里的菜，有时候为了利益还得放低姿态！政治家明白，就算你是狗，也要站得高！

好的设计作品最大限度地减少歧义，直接传达作者的主题。

概念自行车，大家都知道设计师在做什么。——制造了一辆外观和功能都非常酷的汽车。

能把艺术理解到极致的人越来越少，能把设计理解到极致的人越来越多。最终，艺术发展很可能有高有低。肯定有一批艺术家的作品是给业内人士看的，需要一定的艺术经验或者艺术史知识才能看懂。事实上，所有的领域都是一样的，就像爱因斯坦的相对论，只有高度老练的业内人士才能深刻理解。

这是马莱维克的名画《《白底上的黑色方块》》，是至上主义的开始部作品，标志着至上主义的诞生。马莱维克用尺子在一张白纸上画了一个正方形，然后用铅笔均匀地涂上。现在观众可能会说，我可以。;我不明白这幅画是什么，所以我可以画出来，但你知道马莱维克s画肯定不是一天。灵感来了涂鸦，需要多年的视觉效果的研究和实验，才能做出这样的作品，而且必须结合当时的社会环境。

1914年至1918年开始次世界大战爆发，这幅作品于1915年在彼得格勒的《0、10画展》展出，引起了极大的轰动。观众在画前叹息我们所爱的一切都失去了。.....在我们面前，除了白底黑字的方块什么都没有！要知道，作者创作这部作品是在1913年，也就是大战爆发的前一年。马莱维克敏锐地意识到即将到来的危机和战争给带来的伤害。所以当时的观众，在看到这部作品的时候，自然会联想到当时的情况，从而去解读它。

(PS:从马列维奇创作这部作品到展览期间，俄国危机深重，东线忙于一战，国内国内经济崩溃，工厂倒闭，工人，十月革命的风暴正在酝酿。在这样一个动荡不安的社会形势下，艺术家毫无逃避地坚守着自己的土地，依然紧握画笔，发出自己的声音。俄罗斯仍然会举办艺术展，很多人会去看。这不仅是对艺术的热爱，更是一种社会责任感)

因为设计本身一定是功能性的，作品的受众不会有学术门槛。所以好的设计作品很受大众欢迎，比如一个改变人的产品21世纪的生活，——ipad。

艺术让人觉得世界是多样的，设计让人觉得世界上美好的艺术主题可以是美好而温暖的，尖锐而痛苦的，也可以是压抑而恶心的。一部让观众觉得不舒服的作品不一定是好作品。

这是行动艺术码头？阿布拉莫维奇玛丽娜阿布拉莫维奇？在早期的行为艺术中，她在房间里张贴，让观众随意选择桌子上的72种物体，与艺术家进行强迫的身体接触。在这72件物品中，有玫瑰、蜂蜜等令人愉悦的东西，也有剪刀、匕首、弩、灌肠器等危险的器具。甚至还有一支手枪，里面有一颗子弹。

整场演出，阿布拉莫维奇？麻醉自己后安静地坐着，让观众掌握所有的权力。演出持续了六个小时。在这个过程中，当观众发现她真的对任何动作都没有抵抗力的时候，就逐渐大胆地行使了自己被赋予的权力。艺术家s的衣服全部被砍成碎片，有人在她身上割了一道伤口，有人突然将一朵玫瑰花刺进她的肚子，还有一名观众甚至拿起装有子弹的手枪放进她的嘴里扣动扳机。

这是艺术家最接近死亡的时刻，直到另一个观众惊恐地把手枪拿走。在待的过程中，艺术家她的眼里渐渐充满了泪水，她的心里充满了恐惧。然而，她的身体无法做出反应，她清楚地意识到，他们可能真的是对的。我什么都做！麻醉后，阿布拉莫维奇？她从椅子上站起来，伤痕累累，眼里含着泪水，慢慢走向观众，用眼神无声地指责他们。面对艺术家的愤怒和悲伤的眼睛，观众变得害怕，他们纷纷撤退，然后开始逃跑。

阿布拉莫维奇？在后来的采访中，我说:这段经历让我发现，如果你把所有的决策权都交给公众，那么你离死就不远了。(我学到的是…如果你让观众来决定，他们会杀了你).为了受害者阿布拉莫维奇？这种表现比身体上的痛苦更痛苦。她只用了六个小时就观察到了人类的弱点和黑暗。这种精神上的痛苦很难用语言来描述。

欢乐罐头然而，痛苦、苦难和障碍不会教给我们任何东西，它们会改变我们，让我们变得更好、更强，让我们意识到活在当下的重要性。若干年后，阿布拉莫维奇？我用这种解释了我自己对痛苦的身体和精神体验的寻求。

如果设计作品让观众抗拒，那也是相当失败的。好的设计作品让人感觉很舒服。

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自由的艺术才是好的艺术，合理的设计才是好的设计，打破传统，让人思考的艺术作品才是好的艺术作品，20世纪出现了各种流派。如今，似乎每个学校都有自己的接班人。当后继者逐渐完善这个学派的精神和技法时，就像是铸了一个茧。技术越好，思想体系越成熟，茧越硬，越难破。这个时候，谁要是能破茧而出，那就是高手。

举个最有说服力的例子，毕加索。在毕加索之前，古典现实主义已经达到了顶峰，在这个领域，无论构图、题材、各种矿物颜料的选择，前人都探索到了极致。到了20世纪，摄影和电影出现了，人们不再。;不需要传统的写实绘画来记录他们的生活。这无疑把写实绘画逼上了绝路。毕加索的父亲是一名美术老师，他学习古典写实绘画。14岁就做到了技艺高超，造型精准，写字如神。完成一件作品后，我总是拿着笔站起来，东张西望，踌躇满志。父亲看到他的作品后，叹了口气，把自己所有的绘画工具都给了14岁的毕加索。从那以后，他就洗手不画画了。

毕加索s12岁就工作了。

毕加索s16岁就开始工作了...

所有画画的朋友都知道，当你熟练掌握一种技术的时候，其实是很难突破的。技术的熟练程度是一种无形的禁锢，艺术家往往不敢打破它，有些可以Idon’我不想打破它。但是，天才毕加索在古典写实绘画已经山穷水尽的时候，做出了巨大的改变，从而开了一个门派。派系的建立影响至今。请看下图。

这是毕加索的作品。;的立体派作品。整个画面是平面的，打破了传统的视角。仔细看画中人物的脸，是由两个侧面组成的正面。传统视角下，一个角度只能看到脸的一侧，但在这幅作品中，同一个人有左脸、右脸和前脸！从来没有人画过这样的画。解释一下，毕加索画画的时候，先向左跑，然后向右跑。

看图上的圆圈。;的身体。如果它被理解为胸部，它不Idon’我好像不在合适的位置。说明全图没有透视点或者有多个透视点。毕加索不是站在一个点上观察物体，而是全方位立体地看待物体！(但是立体主义的起源不是因为他的立体观察，而是因为屏幕上有很多小方块。让我们有空的时候再开一个关于这个的帖子)毕加索打破了传统写实绘画的茧，获得了自由，为后来的艺术家打开了一个全新的世界！

这是一个获得空间能源的环保设计。将卫星发射到太空，在那里它将展开一个1.5英里长的太阳能吸收板，并不断向地球输送清洁能源。日本在这方面已经做了很多研究。卫星可以发射，收集太阳能没有问题，但是发射的能量束不好控制。当太阳能转换成能量束发送到地球时，它与地球上的接收器没有很好地连接，经常发生偏离，从而烧焦接收器附近的一切。研究人员正在努力解决这一潜在的灾难，但到目前为止，他们毫无头绪。我们可以t说这不是一个好的设计，只是可能有些方面不合理。

艺术倾向于与观众互动，设计从来都是单向的交流。艺术作品不能放在高高的象牙塔上，但它应该是公共的和互动的，观众对艺术品的不同解读在思维上是互动的。艺术家在传达个人想法的同时，希望能引起观众的共鸣。;的思考和反馈。请看下图。

这是草间弥生2013年在上海的展览。观众可以从工作人员那里拿到一些圆点贴纸，贴在展厅的任何地方。这本身就是一部作品，观众也参与了创作。大家开心的贴了。这真是一个让人永生难忘的房间，从过程到效果都有一种莫名的欢乐气氛。

对于设计作品，观众或用户不会参与作品的创作过程。设计师想出什么，观众就跟着做什么。

迪拜的达芬奇塔是世界上独一无二的伟大创举。

首先，这栋楼的每一层都可以独立旋转。你没看错，每一层都可以自动旋转！每层最多每分钟旋转20英尺(约)，90分钟旋转一次。这样会让整个建筑不断改变外观，在不同的时间，不同的天气，会呈现出不同的颜色。这是一座综合性建筑，包括酒店、办公室和住宅。。每家每户都能有多角度无与伦比的景观。

第二，迪拜的旋转塔被称为世界开始，它是开始座完全由预先定制的组件建造的摩天大楼。这种施工方法被称为费歇尔方法及应用；。方法是在意大利南部Artamura的一个工厂里预组装每个单元，配备所有水电系统以及从地面到天花板、卫生间、厨房、储藏室、灯具、家具的所有装修。然后再运到迪拜组装，沿着中央固定的水泥树干一层一层组装，可以在极短的时间内完成。现在一般的高层建筑都是六周一建，但是这种动态建筑是每周一建，比普通的建造少了五周，可以降低10%的建造成本。

而且这个旋转塔的动力来源也很特别。菲舍尔在每两层楼之间的夹层上设计风力发电机，相当于整栋楼79套风力发电设施。风力涡轮机具有特殊的形状，由碳纤维制成，从而确保安静。再加上每层楼的屋顶都安装了太阳能收集电池，所以总共80层楼相当于80个屋顶。通过旋转系统，光伏电池可以获得最大量的太阳光辐射。每层楼只要有20%的屋顶暴露在阳光下，就能收集到普通建筑10倍的能量。建造者声称，旋转塔的环保能源不仅可以自给自足，还可以分配给邻近的建筑。换句话说，整个建筑所需的能源是自给自足的。此外，该建筑的居民可以通过电梯将汽车停在公寓里。

如此奇妙的设计。人们只能惊叹，不可能参与设计过程。

艺术多与文化有关，设计多与科技有关。艺术的进一步发展，往往与社会学和心理学相互作用。大部分艺术家都会主动看一些哲学书籍，这样艺术作品才会有方向。例如:

这是超现实主义的旗手萨尔瓦多吗？《记忆的永恒》，萨尔瓦多达利的一幅名画。艺术家图片中出现了标志性的符号、软表和蚂蚁。这两个形象在达利■后期画作。事实上，这是在《大理的梦想。

说到超现实主义，不得不提的一个人是西格蒙德？西格蒙德弗洛伊德是20世纪伟大的心理学家。他提出了潜意识也就是我们常说的。根据弗洛伊德的理论的研究，潜意识在梦中体现得特别充分，梦中出现的一切都是有原因的，而这个原因就是某种潜意识。

超现实主义绘画是在记录梦境，探索梦境的意义。达利经常梦见蚂蚁从他的身体里出来。小时候，达利曾经养过一只小蝙蝠，他对这只小蝙蝠倾注了全部的爱。但是有一天，由于某种原因，他最喜欢的蝙蝠被一群疯狂的蚂蚁杀死了。被包围，遍体鳞伤，痛得发抖，奄奄一息。他跳起来，捡起爬满蚂蚁的蝙蝠，疯狂地挠它的头，把它扔进水里。从此，蚂蚁陪伴着大理。

后来，一些研究人员解释了大理忙碌的蚂蚁通常是紧张、焦虑和衰老的象征，暗示达利■潜意识的恐惧、软弱、焦虑和性焦虑。达利应该不太清楚蚂蚁在梦里的含义，但基于童年的经历，似乎有些负面情绪一直在他心里。

设计似乎离人文学科很远。但优秀的设计如果能得到科学的帮助，效果绝对耀眼。

这是别克s两栖概念车。上半部分是游艇，下半部分是汽车底盘。非常现代的造型，非常强大的功能。但这款只是概念车。

概念车也有两种。开始个是能跑的车，接近量产。其先进技术已进入试验并逐步走向实用，一般5年左右即可成为公司投产的新产品。第二种车只是概念设计模型。虽然有先进的设计，但由于环境、科研水平、成本等原因，只是未来发展的研究思路。这款别克水陆两栖车就属于第二类。由此可见，如果设计缺乏科学技术的支撑，那么概念车将永远只是一个概念与理念。

无论艺术还是设计，一般都是先有概念。先有个想法，再慢慢克服技术障碍。很多时候，设计引领着科技的发展。一个优秀的艺术家或者设计师应该是在大众面前，能够提出一些新的想法和观点。如果你一味的做作品来取悦大众，那你就是走在了大众的后面，这是非常危险的，有可能成为一个匠人。

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